Per la sua personale alla Lisson Gallery di Milano, Jonathan Monk volge lo sguardo all’arte greco-romana. Influenzato dallo spirito italiano, ha accuratamente fuso e modellato la forma della propria testa in jesmonite, levigandola sino a farla sembrare marmo. Il risultato finale sono cinque busti identici, ognuno dei quali leggermente più grande della dimensione naturale, chiamati tutti Senza Titolo. Caratterizzati da una capigliatura stilizzata e dallo sguardo imperioso, i busti richiamano il ritratto scultoreo idealizzato dell’antica Roma. Per completare le opere Jonathan Monk ha invitato diversi artisti del movimento dell’Arte Povera a intervenire sui busti, rompendone i nasi. Jannis Kounellis, Pier Paolo Calzolari, Emilio Prini e Gilberto Zorio hanno accettato di sfigurare ognuno un busto, assestando al ritratto di Monk un bel colpo di martello appositamente scelto, spaccandone il naso

23 maggio – 19 luglio 2013
Lisson Gallery Milan
Via Zenale 3
Inaugurazione: mercoledì 22 maggio 2013, ore 19 – 21
Orari di Apertura: da Lunedì a Venerdì: 9.30–13.00 e 15.00–18.00

Verrà inaugurata venerdì 24 maggio la retrospettiva Lora Lamm. Grafica a Milano 1953-1963, un  percorso espositivo dedicato a un personaggio che ha segnato la grafica e la comunicazione, Lora Lamm. 
Conosciuta prevalentemente dagli specialisti, è ricordata però da un vasto pubblico per la sua cifra grafica. Lora Lamm opera una totale innovazione nel campo del graphic design fra gli anni Cinquanta e Sessanta. La sua forte capacità comunicativa e la particolare leggerezza del tratto, accompagnata dalla semplicità delle forme disegnate, contribuirono a creare un nuovo modo di concepire la comunicazione pubblicitaria.

Mi racconti in breve a che punto è la tua ricerca?

La mia ricerca nasce da un’ ossessiva curiosità nei confronti della storia dell’arte soprattutto  verso alcuni artisti ai quali ho dedicato approfonditi studi, è nata come forma prettamente sperimentale ed attualmente è indirizzata verso un tipo di pittura dove le varie presenze che la compongono si scontrano generando azioni e risultati del tutto sinergici.
Trovo l’atto del dipingere una pratica ed un processo di apprendimento ed arricchimento continuo.

Che tipo di lavoro hai portato avanti durante il periodo di “residenza” in Viafarini?

Il lavoro elaborato durante la residenza estende materialmente una riflessione sulla pratica stessa del fare pittura riflettendo sull’intero corso della storia dell’arte, la mia riflessione nasce da un’esigenza primordiale nel voler sperimentare una prassi del tutto inesplorata affinché nell’interazione tra artista, supporto e materia vi sia un dialogo evolutivo, in Viafarini ho lavorato al secondo ciclo di produzione che si differenzia dal primo grazie all’assenza di placche di Corian, materiale utilizzato nella fase precedente che esaltava appunto il dialogo tra pittura e scultura.
La possibilità che mi ha dato la residenza è stata quella di intensificare la mia ricerca grazie anche a diversi scambi ed incontri dati da programmi di studio visit e confrontarmi con altri artisti di cui alcuni con grosse esperienze internazionali.

Cos’hai esposto durante l’Open Studios?

Il lavoro esposto è composto da una serie di dieci tele di piccolo formato dal titolo ‘banana is over (let’s trust the painter)‘ frutto, ognuna, di diverse azioni indirette e sottrattive, dove il non controllo e l’ aleatorietà vanno a creare un’idea di pittura volta verso una forma d’ indagine aperta e non individualmente decifrata.

Prossimo progetto?

Attualmente sto lavorando ad un progetto editoriale che si avvarrà di diverse collaborazioni, trovo interessante il discorso finora da me mai affrontato dell’editoria applicata all’arte, penso sia un confronto altamente utile.

La scorsa settimana NYC era in fermento artistico, centro pulsante la seconda edizione di FRIEZE in terra Americana, con un corollario di opening, eventi e grandi mostre. Arianna Carossa ha seguito per noi da insider tutto ciò che è accaduto in quei giorni e ci ha regalato un suo personalissimo punto di vista attraverso scatti durante vari momenti della kermesse culturale. Buona visione.

Come ti sei accostata all’arte?

Ho sempre amato disegnare, ho alcuni ricordi dei tempi dell’infanzia quando si facevano i primi esercizi e si sperimentavano per la prima volta le tecniche: c’era il disegno di una nave che dovevamo riempire a mosaico con quadratini di carta ritagliati dai giornali, uno spasso! Il vero incontro con l’arte dei Maestri è avvenuto poi al Liceo Artistico e all’Accademia di Belle Arti. Sono stati il luogo dove, grazie a bravi insegnanti, ho coltivato quella passione e quella scintilla di talento.

Come definiresti in poche righe il tuo lavoro?

È un diario. Per questo i miei paesaggi nascono sulla carta che normalmente si utilizza per foderare cassetti, quella gigliata. Si ha subito l’impressione di entrare in un mondo intimo e ideale, scandito dalla regolarità rassicurante del giglio. Sono l’alter ego delle righe o dei quadretti della pagina di un taccuino dove si prende nota di pensieri e fatti accaduti.

Qual è la tua tecnica d’elezione?

Le tecniche che prediligo sono il collage, il disegno e l’acquerello insieme. L’obiettivo e la sfida ogni volta sono ricreare un senso di unità, nonostante la percezione della realtà sia spesso straordinariamente frammentata.

Alcuni dei tuoi lavori ricreano mondi fiabeschi popolati di piccole figure, oggetti e animali, come nascono, chi sono le abitanti di questi mondi?

Guardandoli da lontano si percepisce l’immagine chiara e sintetica di un paesaggio. Quando ci si avvicina si scopre essere composto dall’assemblaggio di una grande varietà di elementi, oggetti, ritagli.
Una bambina è silenziosa viaggiatrice di questi mondi. È l’ultimo elemento che inserisco durante le varie fasi di costruzione dell’opera, eppure è il canale d’ingresso, d’immedesimazione, che permette di rapportarsi con l’opera e cercare di svelarne i segreti.

Natura ed oggetto inanimato, cosa significano per te? E all’interno del tuo lavoro?

La Natura è l’unico elemento del mio vocabolario dall’aspetto iperreale. La sua molteplicità è rappresentata dal collage di centinaia di piccoli ritagli di alberi. Il loro assemblaggio ricostruisce la mia visione di una Natura meravigliosa e generosa, allo stesso tempo intricata e per certi versi ostile. A costruire colossali alberi spesso inserisco anche immagini di torri, castelli, lampade e lampadari, ringhiere in ferro battuto e scale, come se la Natura volesse abbellirsi o inghiottire, persino reggersi, sopra a manufatti dell’uomo.
La Natura è ciò che è tangibile, concreto, al quale si aggrappa e si costruisce intorno l’esistenza. Da essa emergono figure disegnate di oggetti o animali dal valore simbolico. Nell’economia del quadro, quello che riproduco attraverso le tecniche più tradizionali del disegno e dell’acquerello sono ciò che suscita in me un fascino. Per esempio, nelle ultime opere ritraggo creature marine che mi colpiscono per la loro bellezza (anche spaventosa), il loro comportamento e l’alone di mistero che a volte le circonda.

Un progetto che realizzerai a breve e un progetto ideale che vorresti vedere un giorno realizzato?

Da qualche mese mi sto concentrando molto sull’evoluzione tecnica del mio lavoro, è un processo in crescita che si evidenzia ogni volta finito un quadro. D’altro canto, dal punto di vista tematico, sto lavorando sulle sempre nuove esperienze che la vita mi mette davanti. In particolare sto portando avanti una riflessione sul tema dell’accoglienza. Spero che questo nuovo progetto trovi compimento in una bella e interessante mostra.

alicecolombo.com

www.viefestivalmodena.com

Com’è nata la tua collaborazione con Connecting Cultures e per quale motivo hai scelto la Bicocca come protagonista del tuo progetto?

La collaborazione con Connecting Culture nasce un anno fa grazie alla partecipazione al workshop “Milano&Oltre. Una visione in movimento”. Un laboratorio sul futuro della metropoli, un’occasione per confrontarci sulla città che viviamo. I “cantieri” erano due: Quarto Oggiaro e Bicocca.
La scelta è stata difficile perché sono entrambe due zone molto particolari. A Quarto Oggiaro avevo già lavorato collaborando a una performance fotografica qualche anno fa, ho quindi pensato che affrontare una zona nuova e a me decisamente sconosciuta poteva essere una bella sfida.

Come hai scelto le persone coinvolte?

Il quartiere si è rivelato molto interessante, non solo a livello architettonico ma anche antropologico. Sono partita difatti da un’analisi del luogo e quindi dei suoi diversi aspetti, per arrivare a quello che realmente mi interessava: il coinvolgimento delle persone. Ho individuato le principali “tipologie che abitano” la Bicocca, dettate dalle architetture realizzate da Gregotti a partire dagli anni ’80. Pensiamo solo al fatto che ogni tipologia architettonica è caratterizzata da un diverso colore dei muri. Quindi LO STUDENTE che vive il quartiere tra le aule dell’Università, IL RESIDENTE che vive in una zona quasi completamente assente da servizi e divertimento, IL PASSANTE che osserva il quartiere in maniera più distaccata, IL SOCIALE che usufruisce dei grossi spazi presenti all’interno del quartiere per accogliere ed aiutare, IL DIVERTIMENTO grazie a uno dei pochi pub della zona.

L’immagine nasce dalla gente e alla gente viene restituita sotto forma di cartoline da spedire. Come mai hai scelto di produrre il tuo progetto in questo formato?

C’è sicuramente la volontà di un riutilizzo e rivitalizzazione “dell’oggetto cartolina”, una materialità che volevo diventasse parte integrante dell’identità della Bicocca. Mi riapproprio e manipolo le immagini in una modalità artistica ormai più che assodata in questi anni.
Credo che la forza del mio progetto sia quella di aver voluto trasformare l’analisi e l’osservazione di quello che è oggi l’immagine in un aspetto ironico, giocoso.
Le foto scattate con macchinette usa e getta diventano cartoline, esposte come in un negozio di souvenir, sono pronte per essere spedite dallo spettatore che può scegliere, scrivere e imbucare la cartolina. Una catena di azioni che trasformano l’immagine del quartiere, da semplice zona periferica ad arteria di una grande Città di cultura, di passaggio, di divertimento.
Le immagini scattate dai “fotografi” non sono stampe immobili ma le protagoniste di un viaggio.

I fotografi che hanno prodotto le immagini sono delle persone comuni e non fotografi professionisti. C’è nel tuo progetto, accanto alla volontà di presentarci il quartiere della Bicocca, anche un sottile discorso sul ruolo che ha assunto la fotografia oggi?

Saluti dalla Bicocca è il racconto visivo di chi quotidianamente vive la Bicocca, in un intreccio che porta alla nascita di una fitta ragnatela, di una descrizione per chi di lì ci è passato o ci passerà, in una tessitura che crea una nuova rete di rapporti e apre alla condivisione della realtà. La visione personale dei “provetti fotografi” trasforma il Luogo; si è costretti ad osservarlo attraverso la sfera del privato, della quotidianità altrui.
Sentivo il bisogno di superare l’idea di fotografia artistica, tecnicamente perfetta e patinata e la volontà di celebrare la fotografia degli altri, utilitaria e amatoriale, in uno sguardo distaccato dall’attuale cultura dell’immagine.

Ho letto che il 28 maggio alla Triennale presenterai questo lavoro e che, per una seconda volta, chiamerai come protagonista il pubblico coinvolgendolo stavolta tramite Instagram. Ci spieghi più a fondo cosa succederà e quale vorresti sia il risultato?

Per la Triennale Saluti dalla Bicocca, amplia il suo concept con #connectingbicocca.
L’habitat della fotografia si trasforma, difatti, da cartolina a immagine digitale, uno spostamento che vuole unire l’ormai forte vitalità della fotografia a quella del quartiere Bicocca. Qualsiasi persona, digitando su Instagram #connectingbicocca potrà guardare o meglio raccontarci la propria Bicocca, in un accumulo dinamico d’immagini filtrate solo dagli effetti fotografici di Instagram. Il risultato sarà un grosso racconto per immagini, un vero e proprio photosharing online, disponibile e consultabile non solo sul proprio spartphone (già a partire da questi giorni) ma anche in Triennale grazie ad una postazione internet.

Parlaci un po’ di te, accanto a Saluti dalla Bicocca a cosa stai lavorando?

La mia città Milano è uno dei soggetti che prediligo, perché all’apparenza città “insipida” nasconde al suo interno delle sfumature, delle realtà molto interessanti. Ho realizzato un documentario su di una struttura oggi abbandonata ma che negli anni ’60 era, non solo riformatorio per ragazzi “difficili” ma anche primo esempio di Architettura Brutalista. Oggi naturalmente dimenticata da tutti qui in Italia, in America al Moma se ne può visitare il modellino e i turisti cinesi vengono addirittura a fare fotografie.
Il medium fotografico rimane sempre e comunque l’espressione che più mi si addice, e così un annetto fa sono partita per San Pietroburgo con il collettivo fotografico TerraProject. Nasce Imponderable Towns un lavoro che descrive La grossa città, non attraverso le vie principali e i palazzi monumentali, ma attraverso i binari di quel treno che si alterna tra foresta e località di villeggiatura. La lenta mutevolezza del paesaggio intrappolata nello scatto fotografico, risente del richiamo all’immenso territorio russo, alla vastità che affascina e attira. L’inquadratura costante per ogni fotografia della serie, è capace di catturare piccole variazioni, sono queste che sorprendono poiché in esse sono racchiuse le fasi del cambiamento.
Con l’hashtag #connectingbicocca potrete inviare fino al 28 maggio le vostre foto del quartiere Bicocca e contribuire al progetto.
Potete seguire il lavoro di Valentina Vitali sulla sua pagina personale: valentinavitali.carbonmade.com

CONNECTED

Museo dell’Orto Botanico- Giardino dei Semplici
inaugurazione : 18.05.13 ore 18.00
data chiusura : 30.06.13
orario vernissage :18.05.13 ore 18.00
ingresso : Intero: € 6,00 ridotto: € 3,00 (tra 6 e 14 anni e scuole, sopra i 65 anni) ; gratuito (fino a 6 anni, studenti, dipendenti dell’Università di Firenze).
orario museo : 10,00 alle ore 19,00
chiuso il mercoledì

PLAYING

Museo Fondazione Primo Conti
inaugurazione : 19.05.13 ore 18.00
data chiusura : 30.06.13
ingresso : €3
orario museo : lun-ven 9-14
sabato 20 Aprile e 4 Maggio (su prenotazione) 10.30-12.30